Kanadas National Arts Centre Orchestra kam am Dienstagabend mit der großen Auslosung der amerikanischen Erstaufführung von Philip Glass‘ Sinfonie Nr. 13 in die Carnegie Hall.
Die Hauptgeschichte aber war, was sonst noch auf dem Programm stand: eine farbenfrohe Miniatur von Nicole Lizée, Schostakowitschs Sinfonie Nr. 9 und Erich Wolfgang Korngolds Violinkonzert, gespielt von James Ehnes. Unter der Leitung von Alexander Shelly waren dies großartige Darbietungen, und das Überraschende und Interessante war, wie sich Glass‘ Musik von den anderen abhob, wie ein freundlicher Gast auf einer Party, der einfach nicht die gleiche Sprache spricht. .
Es war nicht schlecht, aber es stellte sich als faszinierend heraus. Selbst mit Schostakowitschs sarkastischer Neunte und Lizées Experimentieren mit Klangfarbe und Form auf der Rechnung wirkte Glass exzentrisch, schelmisch, aber nicht unbedingt öffentlich und offen.
Das Konzert war sowohl eine Präsentationskapsel des Orchesters als Institution als auch als darstellendes Ensemble. Die NACO hat einen knackigen, leicht leichten Klang, sonor und dennoch ausdrucksstark in Artikulation, Farbe und Beweglichkeit statt Masse, und sie passt in jeden Raum. Als Institution hat das Orchester beide Werke von Lizée in Auftrag gegeben Zeiss nach Einbruch der Dunkelheit und die Glassymphonie; die erste zum zweihundertjährigen Bestehen Kanadas im Jahr 2017 und die zweite zu Ehren des verstorbenen Journalisten Peter Jennings.
Shelley war eine coole und charismatische Erscheinung auf dem Podium, minimalistisch und geradlinig in ihren Gesten, und leitete einen Großteil der Musik aus dem Gedächtnis. Er sprach auch ausführlich mit dem Publikum und erklärte, wie das Orchester war und die Abwesenheit des Spoken-Word-Performers YAO, der mit Covid unten war, und führte dann später die Zugabe von Ehnes und dem Orchester ein.
Lizées Notizen beschreiben ihre Inspiration durch die berühmte Kerzenlichtszene in Stanley Kubricks Film Barry Lyndon, und wie sie die Qualität des Schimmers einfangen wollte. Der Titel hatte mit der Kameralinse zu tun, aber man konnte nicht umhin, an die Zeiss-Projektoren in manchen Planetarien zu denken, die die Kuppeln mit schimmerndem Licht erfüllten. Und in der Tat war diese zweiminütige Arbeit so, als würde man Sterne allmählich erscheinen sehen, wenn die Dämmerung zurückging und die Dunkelheit am Himmel hereinbrach.
In seinen Ausführungen unterstrich Shelley subtil, was es bedeutet, Schostakowitschs Symphonie zu hören, während Russland Krieg gegen die Ukraine führte. Wie alle Musik von Schostakowitsch ändert sich dieser Charakter mit dem Kontext der Aufführung, und am Dienstagabend wirkten die hellen Piccolo-Linien und versetzten Marschrhythmen des Eröffnungssatzes spöttisch. Die langsamen inneren Bewegungen waren eindringlich, und das Solo des Lead-Fagottisten Christopher Millard war hypnotisierend und zutiefst ausdrucksstark, schön und bewegend auf diese einzigartige Schostakowitsch-Art.
In den ersten vier Sätzen herrschte große Konzentration, aber die Energie verflüchtigte sich, als das Finale begann. Die Stimmung war eine Zeit lang schwach – der einzige signifikante Leistungsfehler des Abends – aber Shelley und das Orchester nahmen organisch an Stärke zu, als sie die letzten Seiten erreichten.
In Korngolds Konzert steckte viel Energie, und da Ehnes mit einem seidigen, silbernen Klang spielte, war es eine großartige Wiedergabe eines der hellsten und unterhaltsamsten Stücke des Repertoires. Der Rhythmus war durchweg hervorragend – es gibt Parts für die Violinsektion als Ganzes, die den Solisten widerspiegeln, und diese entfalteten sich mit der Art von Können, das die Musiker antreibt und den Zuhörer fesselt. Die Farben des Orchesters waren vor allem im zweiten Satz hervorragend, und die Balance zwischen Band und Ehnes stimmte. Ehnes drückte das Tempo immer dann, wenn er mitten in einer schnellen Passage war, aber Shelley brachte ihm am Ende immer das Orchester entgegen.
Als Zugabe spielten Ehnes und das Orchester ein Stück von Yuri Shevchenko, das der Komponist aus der ukrainischen Nationalhymne konstruiert hatte. Shelley erklärte, dass sie dies erst kürzlich vorbereitet hätten, sowohl wegen des Krieges als auch um Shevchenkos tragischen Tod an einer Lungenentzündung am 24. März anzuerkennen. Der 68-jährige Komponist starb in einem Kiewer Keller, als sich die Stadt auf eine mögliche Belagerung durch die russische Armee vorbereitete. Shelley übersetzte den Titel als „We Do Exist“, etwas mehr als die Originalübersetzung von „We Are“, aber auch in diesem Zusammenhang wurde die sentimentale Natur der Musik zu einer schönen Art, die Zeit der Lebenden zu ehren und zu trauern die Toten. .
Die ersten drei Viertel des Konzerts bauten die Emotionen auf, während Glass‘ Thirteenth Symphony sie in charmante und mehrdeutige Fragmente verdrehte. Die Symphonien des Komponisten der letzten Jahre haben eine ähnliche Qualität – was in Bezug auf Glas redundant erscheinen mag – aber erkennbar und bemerkenswert ist. Die Wiederholungen und Arpeggios waren natürlich vorhanden, und es wurde in diesem dreisätzigen Werk sehr sparsam mit den Mitteln gearbeitet. Die Melodien von Glass sind immer anmutig, und für die Musik dieses Werks verwendete er harmonische Rhythmen sowohl als Struktur als auch als Melodie.
Es gab auch herausfordernde und verführerische Eigenheiten. Der erste Satz folgte einer grundlegenden Sonatenform, und sowohl die sekundäre Idee als auch die Durchführung zeichneten sich durch eine ungewöhnliche Polytonalität aus, wobei sich die Akkorde in einer Art ringmoduliertem Dissonanzkranz trafen, während sie weiter vom Boden abtrieben, solider als je zuvor. gehört mit Glas. Kleine Ideen tauchten auf und wurden dann verworfen, die ersten beiden Sätze vermieden die Codas und endeten gerade, als die Musiker aufhörten.
Das Finale führte einen fünffachen Takt ein und schloss die Dinge mit einer kurzen Coda ab, das Gefühl eines echten Doppeltakts, aber während dieses Stücks schien Glass jeden Gedanken zu erforschen, der ihm in den Sinn kam. Die Form war voller Überraschungen, die sich persönlich anfühlten, wobei der Künstler eher das tat, was ihm gefiel, als das, was man hätte erwarten können. Es war einfach und auch ohne Arglist, nicht zu versuchen, Gefühle zu lenken, sondern eine Vielzahl von ihnen nonchalant zu öffnen.