Die Modewelt hat eine kurze Aufmerksamkeitsspanne, aber wenn ein Designer (oder Fotograf, Stylist oder Model) im Rampenlicht steht, scheint kein Licht heller oder heller. Und vielleicht, weil diese Sphäre ein Ort großer Besessenheit ist, gibt es nur Platz für wenige auf einmal. Dies bedeutet, dass in der Regel alle Gespräche von derselben Handvoll Marken geführt werden. Laufstege sind selten so spaltend, und die Designer, über die alle irgendwann zu sprechen scheinen, arbeiten fast immer mit der gleichen Palette von Schlüsselideen. Es kann schwer sein, sich daran zu erinnern, dass es außerhalb der Modewelt (und sogar innerhalb) Marken gibt, die nicht alle richtigen Prominenten einkleiden und It-Bags mit Fans und Anhängern aufpeppen.
Yohji Yamamoto ist natürlich das klassische Beispiel eines Designers, der sich an einen Kunden außerhalb dieser Modeblase wendet. In den 1990er und frühen 2000er Jahren war er einer dieser Stars, aber schon damals hatte seine Kleidung, die kompliziert und anspruchsvoll für den Träger sein kann, Kultcharakter. Und die meisten Designer, sogar Kollegen wie Rei Kawakubo und Miuccia Prada, haben die digitale Welt erobert und sogar passende Kleidung entworfen. Aber bei Yamamotos Show am Freitag wurde mir klar, wie besonders es ist, dass niemand mehr so auftaucht wie Yamamoto (wenn überhaupt jemals). Ich habe erst in den 2010er Jahren angefangen, Modenschauen zu besuchen, als die meisten Kollektionen bereits auf maximale Wirkung in den sozialen Medien ausgerichtet waren, aber Yamamoto schwebte fröhlich über allem. Seine Shows sind immer intensive, verträumte Stoff- und Formengeschichten, die Geduld, Entspannung und ruhige Aufmerksamkeit fordern und belohnen.
Eine Yamamoto-Show ist ein filmisches Erlebnis von technischer Raffinesse. Die Kollektion begann mit strengen, frischen Jeansjacken auf schimmernder Seide und Wolle, verwandelte sich dann in wässrige Seidenwolle und entwickelte sich zu größeren, bauchigeren Formen, die wackelten und wackelten. Looks und Stoffe wurden komplizierter, raffinierter und entwickelten sich zu riesigen Flächen aus gebündelter, drapierter Seide und Patchwork-Spitze à la Jeanne Lanvin – „It’s Vintage!“ Yamamoto scherzte hinter den Kulissen – einige trugen dazu leicht taillierte Wolljacken mit himmelhohem Revers und asymmetrischen Doppelschlitzen auf der Rückseite. In der Mitte befanden sich große, kleidlange Jacken – der klassische Yamamoto, und als größter lebender Meister des Schneidens und Würfelns ist er auf dem Showboot willkommen –, die hervorragende Manipulationen dicker Wolle in großen Schultern mit Kamm und dem tiefen Kragen einer Bildschirmsirene aus den 1930er Jahren waren . Minuten später lief ein Model von der erhöhten Plattform den Laufsteg hinauf und sah aus, als trüge sie einen Marlene-Dietrich-Pelzmantel aus den 1930er Jahren mit riesigen Glockenärmeln, aber das Stück war eigentlich eine klobige Daunenjacke. Die letzten beiden Looks waren riesige Garnskulpturen mit schirmförmigen Hüten, aus denen lange, fließende Garnstücke sprießen, wie Quallententakel, die über grob gestrickte Pullover und federnde, pralle Pumphosen flattern. Yamamoto nahm seinen Bogen mit seinen beiden Quallen und schob sie dann sanft den Weg hinunter, wie ein Vater, der seine seltsamen kleinen Kinder auffordert, frei zu laufen.
Hinter der Bühne lächelte Yamamoto und war fröhlich. Ich fragte, warum er so viel Bewegung, vor allem Hüpfen, in seine Kleidung einbauen wolle. „Wir brauchen es jetzt“, sagte er. „Die Welt fühlt sich wegen COVID-19 und des Krieges sehr schlecht. Viele traurige Dinge. Also wollte ich die Leute einfach glücklich machen“, fügte er hinzu und kritzelte die letzten drei Wörter wie eine Beschwörungsformel.
Yamamoto erlebt bereits ein Wiederaufleben in der Welt der Herrenmode, wo seine Bomberjacken mit Pin-up-Bildern und klassischer Oberbekleidung für Tausende von Dollar auf Websites verkauft werden, die von 1st Dibs bis hin zu Instagram-Händlern wie Constant Practice reichen. Seine Damenmode ist vielleicht zu rätselhaft, um mit der jüngeren Generation zu sprechen, die die archivalische Modebewegung in die Damenmode treibt – wie Wein, Jazz oder blasenfreie Bäder, wird er von Erwachsenen besser genossen, zumindest in der Welt von heute. Außerdem erfordert es von seinem Träger eine gewisse Geduld – man trägt Yamamoto nicht, um sprachlos zu sein, wie man es vielleicht bei Comme des Garçons sein könnte, sondern um sich sowohl mächtig als auch verborgen, beherrscht und gebieterisch zu fühlen Eleganz. Die Damenmode, selbst die avantgardistischste, hat in den letzten fünf Jahren Tragbarkeit und Komfort betont, da Politik und Änderungen des Lebensstils einfachere Kleidung verlangten. Aber seltsamerweise war Yamamoto eine der größten Musen der Woche – von Yamamoto inspirierte Stoffstücke standen eindeutig auf dem Moodboard von The Row und Rick Owens, und ich habe seine schneidige Haltung bei den Womenswear-Shows von Loewe und Kiko Kostadinov aufgegriffen. Dies deutet darauf hin, dass Frauen bereit sein könnten, Kleidung als komplexe Allianz zwischen Stoff, Körper und Identität zu betrachten. Ich weiß nicht, ob es jemals Mainstream werden wird, aber wahrscheinlich sollte es nicht; es wäre schön, wenn endlich ein modischer kult gepflegt würde. Die Mode täte gut daran, atomisierter zu sein, mehr durchsetzt mit persönlichen Vorlieben und Obsessionen, anstatt von der Jagd nach den gleichen wenigen Ideen dominiert zu werden.
Apropos atomisierte Schöpfer: Marine Serre hat eine ganze Community um sich. Ich war seit 2019 nicht mehr auf einer Serre-Show, und eine riesige Gruppe junger Leute schwärmte an der Tür, um in seine Show zu kommen, die meisten von ihnen trugen einige seiner Upcycling-Kleidungsstücke, von Lederjacken bis hin zu geprägtem Monddruck und Jeans , ihre Popcorn-Tops mit Blumendruck und meisterhaft umgebaute alte T-Shirts zu Va-Va-Voom-Kleidern.
Serre ist die Designerin, die am meisten dafür verantwortlich ist, Upcycling zu einem aktuellen Schlagwort zu machen, und sie macht mit jeder Kollektion einen Sprung in ihren Prozessen, arbeitet mit Fabriken und ihrem Produktionsteam zusammen, um die Raffinesse ihrer Kleidungsstücke zu verbessern und die Preise ihrer Luxuskleidung zu senken. Ich weiß nicht, ob die Leute es zu schätzen wissen, wie schwierig es ist, Kleidung zu recyceln, besonders wenn man plant, mehrere Stücke zu verkaufen: Sie beginnt ihre Kollektion nicht mit einer Stimmung oder einem Konzept für die Saison, sondern indem sie sieht, was Materialien sind erhältlich für seine Hosen-, Rock- und Kleiderformen. In dieser Saison fand sie ein paar blaue Tagesdecken mit provenzalischem Blumenmuster, musste aber nur ein paar Dutzend Stücke herstellen, wie ein Korsettoberteil und ein Kapuzenoberteil im Cristobal Balenciaga-Stil; Auf der anderen Seite gab es jede Menge Schottenmuster, so dass im ersten Drittel der Show Variationen von karierten Röcken, Kilts, Jacken und Kleidern mit Fransen zu sehen waren.
Unser Sinn für die französische Kultur, insbesondere in der Mode, ist nicht wirklich etwas Underground oder Alternative; Noch immer dominieren Klischees vom „French Girl Style“. Aber Serre hat mit ihrer Kleidung und ihrer wachsenden Fangemeinde gezeigt, dass hier eine authentische Mode- und Stil-Subkultur existiert und das Potenzial für globale Reichweite hat. Seine Vision unserer Welt ist nicht so nihilistisch wie Vetements oder so dystopisch wie Balenciaga, sondern hat eine Süße, eine Art loyalen und furchtlosen Funken, der ihn zu etwas erhebt. Wie es in den Notizen zu seiner Ausstellung in den Galeries Lafayette heißt: „Dies ist keine Einladung zum Träumen oder zur Flucht, sondern zur Wiedervereinigung mit dem Hier und Jetzt mit Empathie, Bewusstsein und Freude.“ Wenn andere Marken, die recyceln oder sich sogar als nachhaltig betrachten, versuchen, die Konturen einer schwierigen Welt zu polieren, indem sie etwas Müheloses schaffen, das die unnötigen Schrecken der Welt zurückdrängt, verlangt Serres philosophischer Ansatz, dass wir uns mit unserer Realität hinsetzen und sie verschwenden. geschaffen hat und daraus etwas macht, das uns Hoffnung geben kann.
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