„Stone Paintings: Science and the Sacred 1530-1800“ Review: A Foundation of Artistic Ingenuity

Die Praxis, Stein anstelle einer Holztafel oder Leinwand als Malgrund zu verwenden, geht auf die Antike zurück, geriet jedoch bis zum Ende der italienischen Renaissance in Ungnade, als Sebastiano del Piombo Methoden entwickelte, die die Haftung von Farbe verbesserten zu Stein. In den frühen Tagen, wie beispielsweise in Sebastianos „The Minions“ und dem schlichten und einfachen „Porträt von Ippolito de ‚Medici“ (1530er Jahre), bemalten Künstler den gesamten Stein, ohne potenzielle visuelle Effekte zu verwenden. Stein wurde für seine dauerhafte Qualität geschätzt, die den Motiven der Künstler eine Art Kraft und Beständigkeit zuschrieb.

Doch schon bald wurden die Arbeiten interessanter und die von Judith W. Mann kuratierte Ausstellung noch besser. In den 1590er Jahren suchten Künstler nach Schiefer, Marmor, Lapislazuli, Achat, Amethyst, Alabaster, Obsidian, Onyx, Jaspis, Kalkstein und Porphyr, um sich eine neue Art von Farbe vorzustellen. Bei diesen Arbeiten ließen sie Teile des Steins frei und verwendeten die Farben, Schlieren, Reflexionen, Konturen und andere natürliche Eigenschaften des Steins als kompositorische Elemente.

Lapislazuli bot einen perfekten Ersatz für Himmel und Wasser. Künstler wie Giuseppe Cesari (bekannt als Cavaliere d’Arpino) nutzten die intensiven Blautöne des Steins in „Perseus rettet Andromeda“ (1593-94). Jacques Stella, der kreativer war, verwandelte seine Platte für „Ruhe auf der Flucht nach Ägypten“ (1629-1630) in eine brillante nächtliche Szene: Der Himmel aus Lapislazuli wird von einem weißen Streifen – gebildet vom Calcit des Steins – in zwei Teile geschnitten, der einem ähnelt Meteorregen. Eine größere Calcitplatte deutet das helle Leuchten des Mondes hinter einem Baum an. Und Maria und Jesus erhalten natürliche (wenn auch ungleichmäßige) Heiligenscheine durch funkelnde Flecken aus goldenem Pyrit im Lapis.

Andere Steine ​​boten andere Möglichkeiten. Als Orazio Gentileschi für seine „Verkündigung“ (1602-05) vergoldeten Alabaster wählte, platzierte er den Engel Gabriel links in einem wirbelnden, lichtdurchfluteten Raum, kniend auf einem wogenden Kumulus, der durch das natürliche Muster angedeutet wird. Über Gabriel malte Gentileschi ein Jesuskind in einer eiförmigen „Wolke“ und den Heiligen Geist in einer kleineren Wolkenwolke. Rechts vom Stein, weniger voluminös und kleiner, malte er Maria, die vor einem Prie-dieu in der Mitte von Säulen kniete, die beide durch die Spuren des Steins „marmoriert“ waren.

Sigismundo Leyrer wählte für seine zweiseitige „Verkündigung“ und „Auferstehung Christi“ (1594) einen Achat mit einem markanten, hell beringten Oval. Auf der Vorderseite scheint der Engel Gabriel im wolkenförmigen Oval zu Maria hinaufzuschweben, und auf der Rückseite steigt der auferstandene Christus von dort in den Himmel auf. Die Lichtdurchlässigkeit des Achats verleiht beiden Bildern Überirdisches.

Und Bartolomé Esteban Murillo, einer der großen spanischen Maler des 17. Jahrhunderts, verwendete Obsidian, um „Die Geburt Christi“ (um 1665-1670) zu dramatisieren. Mit der Malerei wirft er das hellste Licht seiner nächtlichen Szene auf Jesus und dann, in geringerem Maße, auf Maria, die Engel und den heiligen Josef. Er nutzt die subtilen vertikalen Adern des Steins, um seine Szene mit dem Himmel zu verbinden. Das Etikett, typisch für viele aussagekräftige Objektbeschreibungen in diesem raffinierten Exponat, lässt auf eine Verbindung zu den Azteken schließen, die der reflektierenden Natur des Obsidians spirituelle Kraft verliehen. Möglicherweise hat Murillo diese Platte – die laut Ausstellungskatalog ein präkolumbianischer polierter Steinspiegel sein könnte – aus diesem Grund ausgewählt.

Zwei wenig bekannte Künstler leuchten hier mit tausend Lichtern, mit vielen Nuggets. Stella ist eine. „Ruhe auf der Flucht nach Ägypten“ malte er mehrmals auf verschiedene Steine, mit unterschiedlichen Effekten. Neben seinem Lapisstück sind hier zwei weitere Versionen (1629-30). Einer ist auf Jaspis, einem undurchsichtigen Aggregatstein, der oft mit vielen Farben gesprenkelt ist, und der andere auf Pietra Paesina, einer Form von Kalkstein. In beiden verwendete Stella die Farben und Streifen des Steins, um Elemente der Landschaft zu formen – Felsen, Weizenfelder, eine Wasserquelle.

Antonio Tempesta sticht auch hervor, insbesondere für „Die Überquerung des Roten Meeres“ (um 1610), eine Szene, die er mehr als ein Dutzend Mal gemalt hat – auf Alabaster, brekziösem Kalkstein (eine Ansammlung farbiger Fragmente) und rotem „Marmor“ (ebenfalls eine Art Kalkstein). Dieser auf brekziösem Kalkstein nutzt brillant ein rostfarbenes, geripptes Band, das diagonal durch den Stein schneidet, um das Meer darzustellen.Moses und seine Anhänger stehen auf zwei Flecken trockenen Landes, einer schlammig mit braunen Felsen und der andere hellgrün. Die halb untergetauchte Armee des Pharaos kämpft gegen die stürmische See, die jetzt ihren Meeresboden füllt.

In den 15 Jahren, in denen Frau Mann an dieser Ausstellung arbeitete, entdeckte sie etwa 1.500 Steinmalereien von Künstlern aus Italien, Frankreich, Spanien, den Niederlanden und Deutschland. Viele sind zerbrechlich, schwer und riskant zu tragen; Einige Eigentümer zögerten, Kredite zu vergeben. Aber die 70 hier gesammelten Stücke (plus ein paar Kunstwerke in anderen Medien) lassen einen fragen, warum „Gemälde auf Stein“ die erste Museumsausstellung ist, die sich mit dieser faszinierenden Partnerschaft zwischen dem Künstler und der Natur befasst. .

-Frau. Dobrzynski schreibt darüber

Kunst für das Journal und andere Publikationen.